Revisitando álbuns Clássicos: Head Hunters De Herbie Hancock é Heady Jazz For The Masses

2024 Autor: Francis Oldridge | [email protected]. Última modificação: 2023-12-16 20:42

A primeira vez que ouvi Head Hunters em sua totalidade foi no meu segundo ano de faculdade, como parte do curso de história do jazz. O conceito de ouvir a gravação do início ao fim, sem discussão, e obter crédito no processo era intrigante o suficiente. Era bem antes das oito da manhã e o álbum ainda retalhava minha mente. Tenho ouvido desde então e, como qualquer boa composição artística, Head Hunters oferece algo novo a cada rotação.

Lançado no final de 1973, o álbum foi o 12º álbum de estúdio do já estabelecido Hancock. O músico nascido em Chicago acaba de formar um trio de álbuns (frequentemente chamados de sua era “Mwandishi”) que eram especialmente movidos pela improvisação. Ele estava procurando se reorganizar na música, deixando os sons de jazz mais espaçados pelos quais ele se tornou famoso em favor de algo mais fundamentado; primitivo mesmo.

Para contextualizar, esta foi a movimentada erra musical de deuses do violão e ferreiros populares. De potências do R&B como Marvin Gaye e lendas do funk como Stevie Wonder e Sly & the Family Stone. O jazz estava ficando cada vez mais distante, graças aos novos efeitos e instrumentação, bem como ao desejo mental coletivo de escapar. Afinal, Nixon estava mostrando sinais óbvios de vilania e uma guerra aparentemente interminável no Vietnã continuava.

Em San Francisco, Hancock montou um sexteto extremamente talentoso para o álbum, trazendo vários rostos novos. Ele optou por substituir em grande parte a guitarra pelo clavinete e plugou em uma seção rítmica talentosa. Hancock comanda as teclas do sintetizador, levando as quatro músicas dinâmicas do disco para lugares onde álbuns conceituais inteiros de mais de dez faixas raramente vão. O diálogo de suas chaves é articulado e preciso, do começo ao fim. Se o vocalista dono do palco algum dia assumisse a forma e o som de um piano elétrico, seria esse.

A faixa de abertura, “Chameleon”, apresenta uma das linhas de baixo mais mastigáveis que existe. É um dos muitos ganchos colossais do disco, combinando-se para formar um tema vital - aquele jazz inebriante pode ser apresentado às massas, com inúmeros pontos de entrada. Esse gancho forma a espinha dorsal de uma música cheia de groove que, aos cinco minutos, já está se superando com uma improvisação deslumbrante e mudanças sutis de tonalidade. Fixado em um riff funky, mas previdente em seus meandros sonoros, a primeira metade da pista é como um animal selvagem encantador na coleira o suficiente para dar uma boa corrida.

A segunda metade da faixa é lounge gold, com teclas cintilantes, percussão inquieta e ricos elementos sinfônicos. A ranhura ainda está lá, mas foi vaporizada. O groove central tornou-se fluido, mergulhando no jazz suave, funk e pequenos sucessos da música de câmara experimental de espírito clássico, apenas para reaparecer pouco antes do final da faixa para lembrá-lo de seu domínio absoluto.

"Watermelon Man" abre com uma linha ao estilo de uma banda que se tornou lendária. O colega de banda Bill Simmers sopra em uma garrafa de cerveja, procurando imitar os sons tradicionais do Zaire (música pigmeu em particular). Preste atenção à densidade da seção rítmica quando ela cai, a diversão das tonalidades de Hancock e as muitas trompas que flutuam indiferentemente para dentro e para fora da faixa. A instrumentação foi comparada à natureza percussiva de um círculo de tambores africano, onde cada indivíduo desempenha sua própria parte distinta. E como a música de abertura, a faixa é finalizada por um groove incrivelmente inebriante.

Então, o álbum exala audivelmente. A faixa “Sly” é dedicada ao próprio homem, se encaixando enquanto Hancock fica funky e como uma guitarra com muitas de suas interjeições. seção de metais comovente pulsa junto com as mãos rápidas do baterista Harvey Mason. Às vezes, soa como um hino de funk-rock viajando em alta velocidade. De acordo com o tema do álbum, há inovação nos solos exploratórios, mas tudo se baseia em uma base extremamente rítmica. A banda toca fora, flexionando suas costeletas individuais em frases vispeed.

O álbum termina com “Vein Melter”, número cheio de tensão que flerta tanto com a ordem quanto com a desordem. Há o refinado som de bateria com espírito militar, definido ao lado das teclas esvoaçantes de Hancock. Há qualidade cinematográfica nas ondas de som de fundo, muitas vezes lideradas por clarinete baixo. Se Fantasivignette se passasse em um café ao ar livre em alguma planície desértica, essa seria a trilha sonora. Logo, ele simplesmente para de respirar, com algumas últimas batidas de percussão para indicar o fim.

Os Head Hunters seriam testados por todos, de Beck e Madonn a George Michael, Coolio e outros. É o primeiro álbum de jazz a chegar ao Platinum e é reconhecido pela Biblioteca do Congresso do National Recording Registry por seus muitos méritos culturais. E é amplamente e merecidamente saudado como um momento marcante no reino inovador da fusão de jazz, algo que Hancock praticamente definiu.

Dê um giro e se perca por 42 minutos.