Slashers e filmes de tortura são todos muito bons, mas às vezes seu cérebro está procurando mais do que derramamento de sangue desenfreado no filme de Halloween.
É um fato lamentável da crítica de cinema que o terror seja provavelmente o mais subestimado de todos os gêneros. Freqüentemente considerados trash ou lowbrow pelos cinéfilos e quase completamente ignorados pela Academia, os filmes de terror são geralmente considerados emoções baratas para os espectadores sádicos.
Acadêmicos e acadêmicos tentaram repetidamente salvar o horror de sua má reputação apontando para os motivos feministas latentes em todo o gênero e observando as aspirações de vanguarda até mesmo dos filmes de menor denominador comum. Enquanto isso, verdadeiros autores costumam olhar para o horror em busca de inspiração e desenvolveram algumas de suas maiores criações enquanto exploram a escuridão interior.
Com isso em mente, fizemos a curadoria de uma lista de filmes de arte pouco apreciados para os fãs de terror mais aventureiros.
(Aviso de conteúdo: todos os filmes abaixo retratam violência física e sexual extrema.)
Raw (2016)
Infelizmente, os filmes de terror dirigidos por mulheres são poucos e distantes entre si devido ao sexismo desenfreado da indústria cinematográfica, mas é óbvio para quem sabe que as mulheres contribuíram tanto ou mais do que os homens para o gênero. A obra-prima de terror melodramático Raw do diretor francês JuliDucournau é um exemplo de domínio completo sobre o gênero: ambientado em uma escola de veterinária surrealista e futurista, duas irmãs lutam contra seus inexplicáveis impulsos canibais. Embora a premissa seja selvagem, a história é assustadoramente subestimada e pensativa: a genética das meninas as condenou a se tornarem wendigos ou é uma metáfora para a infeliz e inextricável interconexão que todos temos com nossas famílias?
Climax (2018)
O diretor Gaspar Noé ficou conhecido por suas explorações psicodélicas da morte em filmes como Enter the Void e Irreversible. Climax usa muito do mesmo trabalho de câmera e paletas de cores excêntricas de seus trabalhos anteriores, mas abandona o pretexto filosófico, tornando este filme muito menos pretensioso. A premissa: a trupe de dança contemporânea francesa de lutadores de salão de baile e dançarinos de break está celebrando a última noite antes de uma grande apresentação, quando alguém coloca ácido demais nas bebidas de todos. A trupe começa a enlouquecer enquanto pratica suas rotinas pela última vez. Em seguida, a violência irrompe - com a trilha sonora da house music francesa com graves contundentes. São os corpos dos dançarinos - contorcendo-se, girando e mergulhando no esquecimento - que fornecem o pano de fundo assustador para o qual os colapsos totais dos protagonistas são transpostos.
Anticristo (2009)
O diretor Lars Von Trier certamente foi ao fundo do poço com sua produção cinematográfica mais recente, mas o Anticristo continua a ser profundamente perturbador em relação ao niilismo extremo e à psicose depressiva. Charlotte Gainsbourg e Willam DeFoe interpretam o casal cujo filho morreu tragicamente. Eles se retiram para uma cabana tranquila na floresta, onde começam a contemplar a natureza do mal. Torna-se claro que nenhum dos dois jamais teve um forte controle da realidade, e eles começam a se mutilar - literalmente - conforme sua sanidade se desfaz. A tese de Von Trier é que, em última análise, a existência humana é inerentemente odiosa e nojenta, assim como este filme. Mas também é extremamente bonito, da maneira mais estranha e triste.
Inland Empire (2006)
A cosmologia obscura e inescrutável de David Lynch é levada à sua conclusão lógica com seu último longa-metragem. Este pesadelo não narrativo de mais de 3 horas começa com LaurDern, interpretando uma atriz que pode ou não estar perdendo a cabeça, descobrindo acidentalmente uma maldição. O que acontece a partir daí não é exatamente explicável, mas certamente é horrível. Ela está interpretando vários personagens ou ela tem várias personalidades? Ela está tendo um colapso nervoso ou a realidade está desmoronando ao seu redor? Confusamente intercaladas nos filmes, estão as cenas da anticomédia surrealista abandonada de Lynch, Rabbits, durante a qual coelhos humanóides falam em clichês desconexos e incoerentes combinados com uma faixa de riso enervante. A cinematografia de Lynch permanece obscuramente luxuriante, apesar dos eventos reais descritos serem totalmente incoerentes. É profundamente assustador e - de alguma forma - também bastante espiritual.
Suicide Club, or Suicide Circle (2001) + Noriko’s Dinner Table (2006)
Por algum tempo, a taxa de suicídio do Japão foi uma das mais altas do mundo desenvolvido - mas devido a tabus culturais, o assunto permaneceu subexplorado em investigações psicológicas e artísticas. O Suicide Club gerou polêmica ao abordar o assunto de frente. Nesta obra-prima onírica, o diretor Sion Sono explora uma espécie de história de fantasmas grotesca paranóica cultural penetrante sobre a conspiração da cultura pop. A primeira sequência do filme, em que uma turma inteira de colegiais pula na frente de um trem em movimento marcada para um pop otimista da cidade, é de alguma forma hilária e traumática. Definitivamente, há algo divertido no filme - há até mesmo um número musical com inflexão de Rocky Horror bem no meio - mas a história se desdobra em algo muito mais sinistro no final.
A Mesa de Jantar de Noriko, que serve como sequência e prequela do Suicide Club, abandona completamente o humor de seu antecessor. O filme explora a dor sentida pela família de uma das garotas da cena de abertura do primeiro filme. Por meio de uma agência obscura, eles contratam uma jovem atriz para interpretar sua filha em jantares porque sentem muita falta dela. Mas enquanto eles choram, sua dor torna-se cada vez mais delirante, até que é revelado que talvez as organizações criminosas clandestinas e apocalípticas tenham sido as culpadas o tempo todo. continuação verdadeiramente distorcida da história do Clube do Suicídio, a Mesa de Jantar de Noriko é uma meditação seriamente mórbida sobre como o luto pode fazer alguém se sentir totalmente esquizofrênico.
The Cell (2000)
Não deixe os headliners do filme (Jennifer Lopez e Vince Vaughn) enganá-lo e fazê-lo pensar que isso é bobagem. The Cell é um glamouroso filme de terror fantasiado pela lendária Eiko Ishiok (frequentemente conhecida por sua alta costura personalizada, freqüentemente usada por Bjork). O diretor Tarsem Singh pegou um roteiro de ficção científica / terror bastante brando sobre um psicólogo viajando pela mente de um assassino em série e o transformou em um experimento de vanguarda por meio de um design de produção opulento e uma imaginação gótica requintada inspirada por artistas como Trent Reznor, Odd Nerdrum e Damien Hirst. É uma pena que tantos filmes de terror não tenham esse tipo de estilo visual meticuloso e imaginação - já que imagens atraentes podem transformar até mesmo as histórias mais banais em fantasias fascinantes.
Videodrome (1983)
Quando um executivo de TV desonesto, especializado em material sensacionalista, descobre uma estação subterrânea exibindo vídeos de mulheres sendo brutalizadas, ele cai em uma confusa subcultura secreta cheia de sadomasoquismo. As coisas ficam mais estranhas à medida que seu corpo começa a se transformar em algo inumano, até que ele desenvolve um VHS player / vagin em seu estômago. Se a descrição soa peculiar, o filme em si é ainda mais perturbador. Cronenberg dá uma atualização ao terror Lovecraftiano ao combiná-lo com a filosofia Baudrillardiana e o resultado é precisamente tão desorientador quanto parece.
Otto, ou Up With Dead People (2008)
O pornógrafo gay Bruce LaBruce geralmente trabalha no meio erótico, muitas vezes transformando os tropos dos filmes azuis em suas cabeças: performers recitando o Manifesto Comunista enquanto fazem sexo ou explorações apaixonadas dos corpos nus de neonazistas. Suas entradas no terror são estranhas e altamente sexualizadas, mas Otto também é estranhamente doce. Nele, o zumbi gay homônimo vagueia por terrenos baldios até encontrar uma dupla de cineastas de vanguarda que escalam o herói morto-vivo como seu protagonista. Ele pode conter seu vício em carne humana - ou seu zumbi é apenas uma metáfora para a solidão da identidade gay? Com música fornecida por Cocorosie, Otto expande os limites do pornô e do terror - não é de se admirar que o diretor tenha sido destaque em MoMretrospectiva poucos anos após o lançamento do filme.
Dogtooth (2009)
retrato de família que deu terrivelmente errado: o que acontece quando um pai controlador e violento mantém seus filhos separados do mundo e os alimenta com anos de desinformação sobre o que acontece lá fora? E então o que acontece quando essas crianças começam a descobrir o sexo? O que em momentos parece pacífico - embora um tanto excêntrico - mundo nuclear é pontuado por explosões de extrema crueldade. Existem alguns momentos verdadeiramente cômicos: como é dançar se você nunca viu ninguém fazer isso? Não está claro o que o diretor de mensagem moral Yorgos Lanthimos estava tentando expressar com este poema visual hediondo: É um alerta sobre a hostilidade inerente à paternidade? rejeição de práticas procriativas heterossexuais? O filme foi saudado pela crítica e indicado ao Oscar - uma raridade extrema para os cinemegos gregos - mas não ganhou. A Academia provavelmente queria algo menos … desconcertante.
Salò, ou os 120 dias de Sodoma AKPasolini, 120 dias de Sodoma (1975)
O respeitado diretor italiano Pierre Pasolini aventurou-se nas profundezas da crueldade humana com sua adaptação de 120 Dias de Sodoma do Marquês de Sade. Em sua reinterpretação, as indignidades descritas no livro são transplantadas para o mundo da Itália ocupada pelos fascistas. A loucura assume o controle enquanto um grupo de libertinos do mal sequestra rapazes e moças para usá-los como objetos de sua maldade sexual. O filme é principalmente uma marcha incessante de cenas de tortura, intercaladas com fantasias surrealistas sombrias: contemplação perturbadora das profundezas do mal e da política sexual do autoritarismo. Embora frequentemente (e compreensivelmente) considerado completamente inacessível, o filme enfrentou um renascimento da crítica depois que o diretor John Waters o descreveu como favorito pessoal.
